Jonathan


How I started to dance

For me, classical dancing is strongly associated with family ties. Both my grand-parents on my mother’s side were dancers, my grand-mother was a Professor at the Conservatoire. Like all students, I spent my Wednesday afternoons doing outside school activities. The Conservatoire, where my grand-mother was working, offered several artistic activities and in order to make good use of my free time, she enrolled me in some of those. This was the start to my dancing career.

I have a particularly emotional memory of my first performance, which enraptured me. On stage, everything made sense. At this very moment, I understood in which direction our initial hard work would take us and this conclusion won me over. I was around 12 years old and I decided to deepen my dance routine. It was already too late for me to join L’Ecole de l’Opéra de Paris.

With my grand-parents’ vocational training and support I slowly but surely developed my style and progressively regained some of the lost years which separated me from other precocious children.

Thanks to a scholarship, I was able to join l’Ecole Nationale de  Ballet in Cuba. To be a dancing scholar in Cuba is a very prestigious status for all the inhabitants and sought after by parents, who see a means of offering their children an award of excellence and open up opportunities unhoped-for. I was one of the first foreigners to attend this school. For the majority of these students – descended from very modest Cuban families – to excel in the art of dancing  was more an act of survival compared to Europe, where it is just another educational option. Being part of the Ballet School of Cuba allowed them to enjoy a better life compared to most of Cuba’s population.

This « Cuban » experience certainly is a major factor to me becoming a dancer. I made profound progress amongst other young dancers equally tenaciously ambitious.

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Stage memories

Several last-minute opportunities came my way to replace an injured dancer. Long days of intense preparation followed and short nights clouded with fear of failure.

One very particular memory has stayed with me. I had been accepted to dance “Etudes” the evening before a very delicate surgical operation to a painful injury on my Achilles heel. This intervention resulted in several weeks of rehabilitation.

At the end of my “Etudes” performance, I cried. I felt overwhelmed by the fear of not being able to be on stage again should there be repercussions from the operation. I imagined all my hard work over the years go down the drain. It was like saying goodbye to ballet without being given notice. Absolutely heart wrenching.

That is when I realized how much I love what I do.

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To be a dancer

On does not make the dance – one is a dancer. To be a dancer is just as much a way of life as it is an occupation. One cannot just dabble with dancing. It has to be a total sacrifice – no short-cuts. To be a dancer means to devote oneself totally to dancing.

Not being the youngest master dancer, I had to fight to carve a way towards my ambition of excellence.  I was always hungry for success. My pugnacious spirit !

To be a dancer means to carry a legacy from one generation to the next. I had some outstanding teachers and coaches.

Relationship to dancing roles

To live a role is like a metamorphosis.

From the moment I wake up, I am thinking about my role: ‘Today, I will be…’. I dissect all of the emotions relevant to the role and explore them. If the part asks for jealousy, I unearth the jealousy in me. I try identify with the characters, imagine their lives before the story began, and think of different ways other interpreters carried out the role before me. No role is ever frozen—each is the result of an evolution, an iterative process.

This mental preparation, almost spiritual, helps me to physically live the figure, and this is what I want the public to feel.

I strive for the public to forget all day-to-day troubles.

Most of the time, the public is unaware of who the dancers are. They just want to forget the daily grind. To captivate them, even if only for a minute or a second is my sincerest wish. May they forget everything and may their senses be captured in that instant of the presentation. Especially in the present time, where our attention span is very short, the art of dancing touches aspects far more precious and unique.

Just to think, that a person has dedicated his life to his kind of art and that today, on stage, as a spectator, I can watch this performance and savour this precision, this greatness.

The public can relish a spectacle in many different ways. The compassion for a role or key figure can absolutely crush them. If, at the time of death, the sorrow of the key dancer reaches over to the audience, I have succeeded in transporting the audience to another level.  Be it the precision, the exquisiteness, a beauty that appeals to them, the fervor of the interpretation or just the magic of watching a live performance – dancing should fascinate and spellbind! They should say to themselves : « What I have just experienced, is priceless ! »

Responsibility as an artist

We represent an ancient art. You cannot learn how to dance ballet over the internet. Our profession is of sacrifice and demands historical continuation. We carry a flag, a philosophy of art, a timeless memory. We abide by ancient laws. The art of dancing appealed to spirits, well before acquiring an aesthetical dimension.  Pledged as dancers, we are also instruments. We are the creators of movements  and also the consequence of a tradition and of an old school.

I feel as it is my obligation to carry on a legacy. To foresee a divine fulfillment – non-human. An enhancement. Watch the jumps, the lifts, the pointes, the twirling tulle skirts.

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The opposite to dancing

The futile, the triteness, the emotional inanity, the ordinary, the meaningless routine. Dancing is non-conformity.

My highest ambition as a dancer

Continue to evolve and grow as a dancer to the best of my ability.  To reach my full potential.  So, that if someone watches me dance, they would notice the improvement over the years.

Jonathan is Principal dancer with the Royal Danish Company.

 

Entretien en français.

Débuts

La danse classique revêt pour moi une dimension familiale. Mes deux grands-parents maternels étaient danseurs, ma grand-mère professeure au conservatoire. Comme tout écolier, je consacrais mes mercredis après-midi d’écolier à des activités extra-scolaires. Le conservatoire où ma grand-mère travaillait proposait de nombreux enseignements artistiques et afin de mettre ce temps libre à profit, celle-ci m’inscrivit à certains d’entre elles. C’est alors que je commençais la danse.

Je garde un souvenir particulièrement ému de ma première représentation, qui m’enchanta. Sur scène, tout prit forme et sens. Je compris à cet instant vers quoi tendait notre travail préparatoire et cette finalité me conquit ! J’avais une douzaine d’années et décidai alors d’approfondir ma pratique de la danse. Il était déjà trop tard pour intégrer l’Ecole de l’Opéra de Paris.

Soutenu et formé par mes grands-parents, j’ai peu à peu développé mon art et progressivement rattrapé les quelques années qui me séparaient des enfants à la vocation plus précoce.

Grâce à une bourse d’études, j’ai intégré l’Ecole Nationale de Ballet de Cuba. Etre élève danseur à Cuba pour les habitants de l’île est très prestigieux et recherché de parents qui y voient un moyen d’offrir à leurs enfants une scolarité d’excellence et de leur ouvrir des opportunités inespérées. Je fus l’un des premiers étrangers à fréquenter cette école. Pour la plupart des étudiants, issus de familles très modestes, exceller dans la pratique de la danse était, plutôt qu’une simple option comme souvent en Europe, une condition de survie. Intégrer le Ballet de Cuba leur permettrait d’accéder à un mode de vie hors de portée de la majorité de la population Cubaine. Cette expérience cubaine est certainement ce qui m’a permis de devenir danseur. J’ai énormément progressé, entouré de jeunes gens à l’ambition acharnée.

Souvenirs de scène

De nombreuses opportunités m’ont été offertes en dernière minute, pour remplacer un soliste blessé. S’ensuivent de longues journées de préparation intense et précipitée et des nuits écourtées par l’angoisse de l’échéance qui approche.

Un souvenir en particulier habite ma mémoire. J’avais accepté de danser « Etudes » la veille d’une opération chirurgicale délicate. J’avais une blessure au talon d’Achille, extrêmement douloureuse. L’intervention nécessitait plusieurs semaines de récupération.

A la fin de la représentation, ce soir-là, j’ai pleuré. L’angoisse de peut-être ne plus remonter sur scène, suite aux aléas possibles de l’intervention, m’a submergé. Je voyais s’évanouir le travail de toutes ces années. C’était comme dire adieu à la scène sans y être du tout préparé. Un déchirement.

J’ai réalisé à cet instant combien j’aime ce que je fais.

« Et si c’était la dernière fois… »

Cette idée m’était insupportable.

Etre danseur

On ne fait pas de danse, on est danseur. Etre danseur est un mode de vie autant qu’une profession. On ne peut se contenter de flirter avec la danse. Ce doit être une passion entière, sacerdotale.

Etre danseur, c’est se vouer à la danse.

N’étant pas un jeune virtuose, j’ai dû me battre pour me frayer un chemin vers mon ambition d’excellence. J’ai toujours porté en moi une soif de réussite. Une pugnacité.

Etre danseur, c’est porter un héritage, transmis de génération en génération. J’ai eu des professeurs et des coachs extraordinaires.

Rapport aux rôles

Habiter un rôle est une métamorphose. Je pense à mon rôle dès le réveil, « aujourd’hui, je serai… ». Je dissèque les émotions intrinsèques au personnage -ou au « rôle » de façon plus large pour un ballet non narratif- et les explore. S’il s’agit d’un jaloux, j’exhume la jalousie en moi. Je suis un disciple de l’école de mise en condition et d’identification au personnages. J’imagine la vie de celui-ci avant la pièce, songe à la façon dont d’autres interprètes s’en sont emparés avant moi. Chaque personnage et son interprétation à un moment donné sont le résultat d’un devenir antérieur, d’un processus itératif. Aucun rôle n’est figé.

Cette préparation mentale, presque spirituelle, m’aide à habiter physiquement le personnage.

Ce que je souhaite apporter au public

J’ambitionne de faire oublier au public les soucis du quotidien. Bien-sûr, le public compte des amateurs qui évaluent et apprécient l’aspect technique de la performance. Ces personnes connaissent bien les ballets et attendent avec gourmandise les passages les plus acrobatiques ou pointus.

Une partie du public vient également voir certains danseurs en particulier. Toutefois, la majeure partie des gens vient sans savoir qui danse. Ils souhaitent oublier leur quotidien. Les transporter pour quelques instants, ne serait-ce qu’une minute ou une seconde, est mon souhait le plus cher. Que les gens oublient tout et que leurs sens soient mobilisés dans l’instant de la représentation. Surtout dans l’esprit de notre temps, où notre attention se fixe si peu, la danse fait appel à des qualités de plus en plus rares et précieuses.

Penser qu’une personne a dédié sa vie à son art pour que aujourd’hui sur scène, en tant que spectateur, je puisse voir cette représentation et goûter cette précision, cette excellence.

Le public peut savourer un spectacle de différentes manières. L’empathie pour un personnage peut le submerger. Si la tristesse l’envahit au moment de la mort de mon personnage, j’aurai réussi à emmener l’auditoire vers une autre dimension. Et que ce soit par la précision, l’esthétique, une beauté qui les interpelle, l’incandescence de l’interprétation ou la magie de voir une œuvre « en live », la danse doit éblouir. Qu’ils se disent : – « Ce que je suis venu voir n’a pas de prix. »

Outre procurer l’évasion, la danse peut-elle aussi alerter sur certaines réalités ?

Cela dépend des ballets. Certaines pièces sont plus propices que d’autres à la réflexion, au retour sur soi, à la critique. C’est notre rôle en tant qu’artistes de remettre les choses en question. Une remise en question émotionnelle et personnelle.

La danse est une invitation à laquelle chacun répond différemment. L’écho provoqué en soi par une représentation varie d’une sensibilité à l’autre. Il faut savoir l’accueillir avec ouverture. Etre prêt à l’accueillir.

Responsabilité de l’artiste

Nous représentons un art ancien. On ne peut apprendre la danse classique sur un écran d’ordinateur. Notre métier comporte une dimension sacrificielle et s’inscrit dans la continuation d’une histoire. Nous portons un flambeau, une esthétique, une mémoire intemporelle. Nous perpétuons des gestes ancestraux. La danse fut appel aux esprits, bien avant de prendre une dimension esthétique. En tant qu’artistes, nous sommes des instruments. A la fois créateurs du mouvement et aboutissement d’une tradition et d’une formation.

Je me sens investi de l’obligation de transmettre un héritage. De faire entrevoir quelque chose de divin. De non humain. Une élévation. Voyez les sauts, les portées, les pointes, le tulle qui virevolte!

Le contraire de la danse – la médiocrité, la banalité. Le néant émotionnel. L’ordinaire. La routine dénuée de sens. La danse représente un non conformisme.

Plus grande ambition en tant qu’artiste

Become the best dancer at my art I can. Continue evolve and grow as a dancer to achieve the best I can. Reach my full potential. That if someone comes see me dancing over the years, they would observe a change.

 

 

 

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